Кто есть кто в мире искусства - Шалаева Галина Петровна - Страница 52

• Предыдущая
• 52/59
• Следующая

Любопытны действующие лица моралите, которые представляли собой не конкретных людей, а аллегорические персонажи, олицетворявшие чувства и человеческие качества. Они назывались Вера, Разум, Скупость, Беспутство, Глупость, Надежда.

Обычно персонажи, олицетворявшие противоположные качества, выходили на сцену с разных сторон, образуя симметричные группы.

Представление всегда имело счастливый конец, за которым следовал эпилог, содержащий нравоучение. В нем прославлялись страдания и кротость и порицались жестокосердие и скупость.

По существу, моралите представляло собой не пьесу, а представленный актерами философский диспут. Поэтому главным в нем было не действие, а споры, которые вели между собой актеры. Вместе с тем представления носили сатирический характер, забавляя зрителей, поэтому они всегда пользовались популярностью.

В названии (от fee — фея, волшебница) отразились особенности специфического жанра театральных спектаклей, в которых изображаются фантастические происшествия с использованием самых разнообразных постановочных эффектов.

Полагают, что первые феерии появились во Франции в начале XVIII века (спектакли по сказкам Перро в королевском театре, пьесам П. Корнеля «Андромеда» и «Золотое руно», Мольера «Психея»).

В XIX веке феерия сочетается с мелодрамой, оперой, пантомимой. Элементы феерии и водевиля использовались в тех спектаклях, где были задействованы одновременно реальные персонажи и сверхъестественные существа. Феерия принимает различные формы в театре оперы, балета, пантомимы или в пьесах с фантастической интригой («Сон в летнюю ночь» В. Шекспира). Многое зависело от технической оснащенности театра и фантазии постановщика.

Как самостоятельный жанр феерия оформляется к середине XIX века. Одной из первых постановок следует считать феерию по роману Ж. Верна «Вокруг света за восемьдесят дней». Во время представления на сцене разжигали костер, и даже выводили настоящего слона.

Постановщик феерии устраивает спектакль, в котором совершаются совсем иные действия, чем в реальном мире. Неожиданные события буквально завораживают зрителя, даже взрослый превращается в ребенка, который ожидает чуда. Присутствующие на представлении начинают верить в невероятное, они забывают о том, что визуальные эффекты создаются с помощью сценических машин: актеры летают по воздуху, появляются «настоящие корабли», «бьют» фонтаны.

Феерия уводит зрителя в мир грез и сновидений, заставляя забыть о проблемах и просто наслаждаться зрелищем. Происходящее часто не имеет строгого сюжета, главным становится стремление произвести максимальный эффект. Среди участников на сцене появляются призраки и мертвецы, окружающие предметы начинают двигаться, петь и танцевать.

Часто форму феерии используют фокусники, создающие необычайно яркие представления. Так, Д. Копперфильд заставляет исчезать даже такие огромные предметы как Статуя Свободы или железнодорожный вагон.

Количество визуальных эффектов во время феерии практически неограниченно. Они предполагают игру освещения, фейерверки, бесконечные переодевания, спортивные номера.

В современном шоу-бизнесе преемниками феерии считаются разнообразные фестивали, спортивные представления, шоу фокусников, цирковые представления и даже балет на льду.

Пантомима занимает совершенно особое место среди видов сценического искусства. Обычно пантомимой называют представление, в котором сценический образ создается за счет движения, мимики и жестов актеров.

Хотя этот жанр был известен еще в античные времена и имеет многовековую традицию развития, его расцвет приходится на 20-ые годы XX века. В это время во Франции появляется первый в мире театр пантомимы, основанный режиссером Этьеном де Кру. Несмотря на то, что сюжеты пантомимы напоминали притчи, «бессловесные разговоры, которые вели актеры, оказались не менее интересными, содержательными и убедительными, чем словесные диалоги». Это мнение о пантомиме К. С. Станиславского показывает, что пантомима является полноправной театральной формой.

Благодаря деятельности учеников де Кру, среди которых был и знаменитый актер, мим Марсель Марсо, театры пантомимы появились во многих странах Европы и Америки. В России она связана с именами клоунов О. Попова и Л. Енгибарова, которые на арене цирка не только веселили зрителей, но и изображали трогательные лиричные сценки.

Мим — это актер, который играет без слов. Он выражает чувства и мысли при помощи движений тела, рук и мимики лица, то есть пантомимы.

Мимика значит подражание. В античном народном театре публика с удовольствием смотрела на игру актеров, которые не столько словами, сколько жестами изображали высмеиваемых лиц. Так родилось искусство пантомимы, которое получило второе дыхание в средние века в Италии.

Персонажи итальянской комедии Пульчинелла и Арлекино стали излюбленными героями мимов. А в XIX веке талантливый французский актер-мим Жан-Батист Дебюро создал всемирно известный образ Пьеро.

Понятие антрепризы возникло в европейской культуре в первой половине XVI века, когда стали появляться первые профессиональные театры. Они делились на дотационные (государственные, придворные, их называли еще и казенными) и антрепризные, то есть существующие на заработанные деньги.

Антрепризный коллектив складывался благодаря предприимчивости того, кто его организовывал, собирал труппу, подбирал репертуар. Полученный доход делился поровну.

Одним из первых антрепренеров был французский драматург Ж. Б. Мольер, выступавший как режиссер и актер. Позже антрепризы организовывали известные театральные актеры (Дж. Гаррик, Э. Дузе, Э. Пискатор).

В русском театре антреприза появилась намного позже, лишь в шестидесятые годы XIX века, когда владельцы крепостных театров начали отпускать своих актеров на «отхожий промысел». Из таких актеров сколачивалась труппа, которая переезжала из города в город и показывала зрителям одну и ту же постановку. Большая часть денег поступала хозяину. Постепенно в России появились и первые театральные предприниматели, ими становились актеры или богатые любители театра, меценаты.

До 1882 года антреприза существовала только в провинции. В обеих столицах Москве и Петербурге царили казенные, императорские театры с жесткой репертуарной политикой. Когда же у актеров этих театров появилась возможность выступать в антрепризных спектаклях, они восприняли это как возможность расширения своего творческого потенциала. В антрепризах охотно участвовали ведущие артисты своего времени — М. Ермолова, В. Комиссаржевская, М. Саввина. На провинциальных сценах они играли те роли, на которые не могли рассчитывать на официальной сцене. Они рассматривали свое участие в антрепризе как возможность выхода из состава труппы и творческого общения с актерами других театров.

В Москве в девяностые годы XIX века большой известностью пользовалась Частная опера С. Зимина и театр Ф. Корша. Последний возник как гастрольная труппа, кочевавшая по российской провинции. Позже Корш приобрел в Москве участок земли на Театральной площади и построил здание собственного театра. Репертуар в его театре складывался из развлекательных комедий и переводных пьес, и во многом зависел от вкусовых пристрастий владельца. Антрепренер Н. Синельников видел в антрепризе искусство, но он сумел наладить ритмичную работу великолепных актеров.

Иначе был организован театр К. Незлобина. Он начался с приобретения здания и рекламы. Стремясь к максимальной прибыли, Незлобин привлекал известных актеров, которые должны были сыграть главные роли. Спектакли в его театре ставили ведущие режиссеры того времени. Их имена должны были прежде всего привлекать публику. Ставка на актеров и режиссеров помогала владельцу извлекать прибыль.

• Предыдущая
• 52/59
• Следующая